3 et 4 juillet 2026

Le paysage du Parc national des Calanques devient un cadre d'exploration pour aborder la cire comme une matière vivante et expressive. Les participant·es découvrent les gestes du moulage, les possibilités de la coloration, les inclusions et les jeux d'empreintes, en lien avec les textures minérales, végétales et lumineuses du site. Les expérimentations ouvrent un espace de recherche libre, sensible aux formes et aux traces. Chacun·e conçoit ensuite un coffrage en bois et développe un tableau de cire personnel, pensé en dialogue avec le paysage. Les créations trouvent enfin leur place in situ, inscrivant les œuvres dans l'espace de Luminy et prolongeant l'expérience entre matière, territoire et regard.

3 et 4 juillet 2026

En passant par la fabrication du châssis, puis par l'enduction de la toile, jusqu'à la préparation des couleurs à base de pigments, les participant·es réalisent une peinture de A à Z afin d'en appréhender chaque étape. Être à l'origine de l'ensemble du processus devient un éloge de la lenteur, invitant à la réflexion et à la satisfaction d'avoir conçu un objet plutôt qu'une simple image. Le cadre paisible et sauvage du Parc national des Calanques accompagne l'élaboration du projet. Entre les temps de séchage et les pauses déjeuner, des promenades alentour permettent de nourrir le regard et la recherche.

Cet atelier invite à explorer tout autant le travail de copie et de réinterprétation d'œuvres que celui de la composition libre. Les médiums explorés sont l'acrylique, la gouache, l'huile, ainsi que le lavis et le pastel. Les élèves expérimentent diverses variations de thèmes et de pratiques pour mieux comprendre le sujet et le médium de la peinture. L'objectif est de libérer progressivement leur potentiel créatif, soutenu par la technique mais sans jamais qu'elle ne soit une limite.

Cet atelier explore le dessin dans toutes ses dimensions, des techniques classiques revisitées aux études de maîtres. À partir de sujets et thématiques variés qui vont des objets du quotidien aux figures humaines, les outils propres aux approches traditionnelles du dessin sont privilégiés : les proportions, les masses, les interactions entre ombre et lumière, la hachure comme potentiel pour capter l'essence du sujet. Les élèves apprennent à saisir les volumes et à les faire émerger subtilement ou de manière plus marquée.

Explorer la lumière à travers le dessin est au cœur de cet atelier. Il s'agit d'apprendre à faire apparaître ou dissimuler les formes, en les faisant surgir selon l'intention du geste. L'accent est mis sur l'utilisation des teintes pour exprimer des contrastes, comme ceux définis par le peintre Johannes Itten de l'école du Bauhaus, et pour les combiner. L'objectif est de créer des atmosphères différenciées : calme, vitalité, profondeur, sérénité.... Que le résultat soit sombre, contrasté, lumineux ou figé, il s'agit avant tout d'exprimer un parti pris, une volonté artistique.

Les élèves ont l'occasion d'explorer diverses techniques d'impression, telles que la linogravure, la taille douce ou encore l'impression sur bois. L'année est rythmée par des thématiques variées, proposées par l'enseignant et pensées pour accompagner les élèves dans leur parcours tout en stimulant l'expérimentation. Des temps sont réservés aux projets personnels, avec un suivi attentif et bienveillant pour affiner sa pratique. L'atelier encourage la recherche, propose une exploration des supports et des formats, et s'inscrit dans une démarche résolument créative.

Cet atelier se déploie durant l'année en plusieurs chapitres. Il vise à constituer un corpus d'œuvres en résonance avec la peinture et ses déviations. Les thématiques explorent la toile brute, le papier, le châssis, le cadre, le plâtre et le carton. Il encourage les pratiques liées à l'aléatoire, aux rencontres fortuites entre matériaux et formes. La démarche et l'esprit de l'atelier reposent sur l'inventivité de l'assemblage et du bricolage, avec une phase essentielle d'expérimentation et de recherche.

Dans cet atelier de volume et de pratiques transversales, les élèves explorent le geste de réparer. Pourquoi et comment redonner vie à des objets dits "à jeter" ? En prenant soin de ces fragments, en les revalorisant par la création, les élèves questionnent l'obsolescence et le recyclage. Textiles, upcycling, kintsugi, assemblages... autant de techniques pour transformer notre environnement et ouvrir une réflexion sensible sur la matière.

Ici, le jardin devient source d'inspiration et matière vivante pour expérimenter. Observer, tracer, croquer, méditer, mimer, faire croître... autant de gestes pour explorer un temps détaché du quotidien, celui du vivant. L'atelier mêle pratiques transversales : dessin, installation, teinture végétale, anthotypes, herbiers géants, livres de recettes. Un espace collectif où la création suit le rythme de la nature.

Cet atelier prend la forme d'un espace de partage et de dialogues, où chaque élève présente son univers photographique et nourrit le regard du groupe autant que le sien. Les travaux photographiques - tests, essais, débuts de séries, ... - sont présentés sur table ou projetés durant la séance. Afin de faire progresser chaque élève dans sa pratique et dans son style, l'enseignant propose un accompagnement individualisé et partage des références artistiques, aussi bien contemporaines qu'historiques, à travers des éditions et des expositions. Des exercices techniques - prise de vue, accrochage, post-production...- sont également proposés aux débutant·es.

La terre est un formidable support à la pensée plastique. Explorer les nombreuses facettes et techniques de cette matière, s'initier aux notions de forme, de volume, de fonction, d'espace. Trouver l'adéquation entre une approche artistique et le langage propre à l'argile ; c'est ce que propose cet espace de création et d'expression dédié à la terre et à sa vitrification, où s'articule transmission de savoirs et de pratiques. La constitution d'une matériauthèque dédiée à la vitrification est développée tout au long de l'année.

Cet atelier invite à capter les fragments du quotidien à travers le dessin d'observation, la peinture et diverses techniques (collage, empreintes, écritures...). Il s'agit de réinterpréter ce qui nous entoure pour en faire des compositions poétiques, réinventant l'histoire d'une image, d'un objet ou d'un lieu du quotidien. L'atelier permet également de développer des projets personnels, offrant aux élèves un espace pour expérimenter, explorer leur créativité et approfondir leur approche artistique de manière individuelle.

Cet atelier met l'accent sur l'expérimentation libre, avec pour objectif principal de laisser l'intuition guider les gestes. Les élèves explorent différentes techniques - dessin, peinture, collage, gravure... - pour aborder et travailler les formes et les textures d'un espace, qu'il soit en volume ou à plat. Chacun·e développe son univers créatif personnel, enrichissant sa démarche à partir de références artistiques proposées et partagées, favorisant ainsi une approche à la fois collective et individuelle de la création.

Cet atelier privilégie l'expérimentation et la découverte des différentes approches du dessin et de la peinture. À partir de consignes simples à entrées multiples, abordant des thèmes et techniques graphiques ou picturales, chaque élève est invité·e à développer une recherche personnelle, engagée et singulière. Les aspects théoriques et techniques sont travaillés en lien avec les projets de chacun·e, dans un esprit d'émulation et de partage. L'atelier favorise les échanges et crée un espace stimulant où les pratiques et les points de vue se nourrissent mutuellement.

À travers le dessin et la peinture, cet atelier invite à s'inspirer des lieux pour explorer la rencontre entre nature et architecture, entre intérieur et extérieur. Qu'est-ce que le paysage contemporain ? L'atelier amène à s'interroger sur notre perception du monde et sur les différents modes de représentation. Chaque élève est libre de présenter une vision personnelle. L'objectif est de mener un projet de A à Z, du croquis à la réalisation, en choisissant son médium, son support et sa technique (crayon de couleur, fusain, aquarelle, peinture acrylique, etc.).

Cet atelier invite à explorer les enjeux fondamentaux de la peinture : composition, couleur, techniques, supports et modes de représentation. Chacun·e développe sa pratique, affûte son regard et approfondit son geste pictural pour aboutir à des projets personnels. L'atelier se structure en modules thématiques (portrait, paysage, peinture gestuelle, etc.), en débutant par une approche théorique. Cette démarche permet de dépasser les stéréotypes, d'ancrer la production dans une réflexion et d'ouvrir le champ des possibles.

Cet atelier mêle écriture, dessin, photographie et collage. À partir de jeux d'écriture proposés par l'enseignant, les élèves stimulent leur créativité et font émerger une production personnelle et polymorphe. Le thème "Natures et recettes" ouvre un terrain d'exploration : listes à établir, formes à inventer, images à composer. La diversité des approches est encouragée pour construire une pratique artistique libre et singulière.

Cet atelier propose une exploration libre autour du thème "Natures et recettes". À travers diverses pratiques artistiques telles que le dessin, la peinture, l'écriture, la photographie et la sculpture, chacun·e est invité·e à développer sa propre démarche. L'enseignant les guide dans l'expérimentation de techniques variées, comme la tenue d'un cahier de recherches, la production de grands formats, les impressions linographiques, et la révision des fondamentaux de la peinture. L'atelier stimule la créativité et encourage l'émergence d'une pratique personnelle.

Ce cours propose d'explorer l'évolution de la couleur dans l'art occidental, de la révolution impressionniste à l'art contemporain. À travers une approche pluridisciplinaire - historique, esthétique, technique - il s'agit de comprendre le rôle de la couleur dans les grands mouvements artistiques de l'art moderne et dans la diversité des pratiques actuelles. Chaque séance est l'occasion d'approfondir ces mutations chromatiques à travers l'étude d'œuvres et de réflexions d'artistes, révélant ainsi la couleur comme un enjeu fondamental pour l'histoire de l'art.

Ce cours aborde les pratiques artistiques contemporaines, entre exemples historiques et découvertes d'artistes émergent·es et met l'accent sur l'analyse des œuvres et leur place dans l'histoire de l'art. Le programme de l'année est structuré en quatre chapitres, chacun dédié à une question thématique, un artiste ou un médium. L'ensemble s'articule autour de l'actualité artistique : expositions, publications et débats. Ces cours offrent aux élèves des outils pour appréhender l'art d'aujourd'hui et sont aussi pensés comme des moments où échanges et interrogations sont les bienvenus.

Cet atelier de dessin nomade propose une interprétation graphique du musée. Son bâtiment, ses occupant·es, ses visiteur·euses et ses collections sont les modèles. Le dessin à main levée ne s'appuie pas uniquement sur la précision, mais traduit la vision de l'auteur·e, laissant place à l'imagination, comme une réinterprétation artistique de l'histoire de Marseille. L'atelier n'a pas d'espace fixe, il déambule au gré des circonstances, au cœur de la vie du musée. Les techniques de dessin sont explorées selon les besoins.

Cet atelier propose l'apprentissage et le perfectionnement des techniques du dessin, incluant l'aquarelle, l'encre, la gouache, et autres techniques humides. Il permet d'explorer et de développer des pratiques artistiques contemporaines, à tous les niveaux. Chaque étape du processus créatif est abordée, du projet à la réalisation, du croquis à l'accrochage. Le suivi est personnalisé, offrant un accompagnement technique et esthétique adapté à chaque démarche individuelle.

À travers le dessin, la peinture et le petit volume, l'atelier devient un véritable cabinet de curiosités. L'œuvre, à la fois collective et individuelle, consiste à rassembler au fil de l'année des merveilles humaines, réelles ou fictives. Chaque élève est libre d'explorer les techniques de création plastiques propres à sa recherche et d'enrichir ce cabinet de sa propre vision. Les œuvres de Luigi Serafini, comme le Codex Seraphinianus, et de Leo Lionni dans La botanique parallèle servent de points de départ à cette exploration créative.

Cet atelier propose une immersion dans la pratique de la copie d'œuvres d'art. Une première partie théorique aborde l'histoire de la copie, les matériaux et les gestes techniques employés. La deuxième partie est consacrée à la reproduction d'une œuvre, en considérant l'époque, le contexte et les conditions dans lesquelles l'artiste l'a réalisée. Pour les élèves plus expérimenté·es, un travail « à la manière de » permet de prolonger la démarche de grands peintres, en explorant leurs techniques et leurs approches.

Cet atelier est une exploration du corps humain à travers le dessin, visant à affiner le regard et fluidifier le geste : le dessin comme solfège des pratiques plastiques. En travaillant à partir du modèle vivant, les élèves abordent des notions d'anatomie et de morphologie. Les poses varient, de quelques secondes à plusieurs minutes, et le rythme du dessin alterne entre rapidité et lenteur. L'accent est mis sur la circulation de l'oeil à la main, avec l'utilisation de divers outils. L'objectif est d'affûter le regard, de délier la main, et finalement de maîtriser le geste au service du dessin.