L’immersion dans la pratique de la copie d’œuvres d’art guide le travail tout au long de l’année. Une première partie est consacrée à l’histoire de la copie, aux matériaux ainsi qu’aux gestes et techniques associés à cette pratique. Une seconde partie permet aux élèves de réaliser la reproduction d’œuvres en considérant leur contexte historique, culturel et les conditions de leur création. Pour celles et ceux qui souhaitent approfondir leur pratique, un travail « à la manière de » prolonge l’exploration des démarches et des techniques des peintres étudiés.

La terre est un formidable support à la pensée plastique. L’atelier céramique propose d’explorer les nombreuses facettes et techniques de cette matière, de s’initier aux notions de forme, de volume, de fonction, en adéquation entre une approche artistique et le langage propre à l’argile. Cet atelier se veut un espace de création et d’expression dédié à la terre et à sa vitrification, où s’articule transmission de savoirs et de pratiques. L’année est ponctuée par la constitution d’une matériauthèque dédiée aux glaçures, et par une exposition conçue comme un exercice qui permet de vivre le processus de création dans son entièreté. 

Copie, réinterprétation et imagination constituent les principaux points d’entrée de cet atelier. La compréhension de la couleur, de la lumière et des principes de composition accompagne l’apprentissage tout au long de l’année. Acrylique, gouache, aquarelle, lavis et pastel permettent d’explorer différentes manières de peindre et d’élargir progressivement sa pratique. Les thématiques proposées offrent l’occasion d’expérimenter ces médiums, de gagner en aisance et de développer ses propres choix plastiques. Une attention particulière est portée à la compréhension du langage pictural et à l’ouverture vers les techniques mixtes.

Du Musée d’histoire de Marseille au Musée d’Archéologie Méditerranéenne de la Vieille Charité, le dessin nomade invite à observer les lieux muséaux à travers leurs architectures, leurs collections et les personnes qui les fréquentent. Le dessin à main levée devient un moyen de traduire une perception, une émotion ou un point de vue, au-delà de la simple recherche de précision. Chaque séance est l’occasion d’explorer les récits liés à l’histoire de Marseille et de la Méditerranée, tout en développant sa pratique du dessin selon ses envies et ses besoins.

« Animal(s) » constitue le point de départ des explorations menées tout au long de l’année. Envisagé dans ses dimensions symboliques, imaginaires ou plastiques, ce thème nourrit des projets variés où chacun·e développe progressivement son propre univers. Dessin, peinture, lavis, collage ou techniques mixtes accompagnent les recherches, tandis que les idées prennent forme dans des carnets, des séries ou des réalisations grand format. Les fondamentaux du dessin et de la peinture se construisent au fil des projets.

Graphite, fusain, lavis ou crayons de couleur permettent d’explorer les multiples possibilités du dessin. Objets du quotidien, paysage et figure humaine servent de points de départ pour mettre en pratique les fondamentaux : proportions, construction des volumes, ombre et lumière, hachures, motifs ou organisation de l’espace. Les séances invitent à observer, comprendre et traduire les formes afin de leur donner présence et profondeur. Au fil de l’année, chacun·e développe sa maîtrise des outils et du langage du dessin tout en construisant progressivement une écriture plastique personnelle.

Écriture, dessin, photographie et collage se rencontrent au fil de propositions imaginées par l’enseignant. À partir de jeux d’écriture, les élèves inventent des récits, composent des images et assemblent des formes pour donner corps à leurs idées. Le thème « Animal(s) » guide les recherches tout au long de l’année et nourrit listes, compositions, histoires et expérimentations. La diversité des médiums permet à chacun·e de développer des projets personnels et d’explorer différentes manières de créer.

Dessin, peinture, lavis, collage : les élèves expérimentent différentes pratiques tout en développant leurs propres projets. Cahiers de recherches, essais sur divers supports et variations de formats rythment le travail et nourrissent les propositions. Les bases du dessin et de la peinture sont découvertes ou approfondies au fil des réalisations. Une attention particulière est portée à l’expérimentation, à l’observation et à l’affirmation progressive d’une manière de faire et de regarder qui leur est propre.

Œuvres, artistes, expositions, publications et débats constituent les points d’entrée de cette exploration de l’art contemporain. Entre repères historiques et découverte de la scène émergente, une attention particulière est portée à l’analyse des œuvres et à leur place dans l’histoire de l’art. Organisée en quatre chapitres, l’année aborde tour à tour une question thématique, un artiste ou un médium. Les séances offrent des clés de lecture pour mieux comprendre les enjeux de la création actuelle et laissent une large place aux échanges et aux questionnements.

Linogravure, taille douce et gravure sur bois permettent d’explorer différentes techniques d’impression tout au long de l’année. Une attention particulière est portée au dessin à travers un travail de composition, d’équilibre et de l’organisation de l’espace. Les séances oscillent entre apprentissages techniques, expérimentations et recherches. Des temps d’échange et de mise en commun viennent nourrir les projets et enrichir les pratiques de chacun.e. Rythmé par des thématiques variées, le parcours encourage également une place aux projets personnels et à l’exploration de différents supports, formats et procédés d’impression.

En s’appuyant sur des œuvres marquantes de l’histoire de l’art, cet atelier explore le cercle chromatique et les mécanismes des harmonies colorées. Après une analyse des compositions et des relations entre les couleurs, les élèves réinvestissent ces principes dans leurs propres créations, à l’aide du médium de leur choix : peinture, feutres, crayons de couleur, aquarelle, etc. Accessible à tous les niveaux, l’année allie observation des œuvres, expérimentations et mise en pratique.

Déployé tout au long de l’année en plusieurs chapitres, l’atelier vise à constituer un ensemble de réalisations en résonance avec le médium peinture, et au-delà. La démarche repose sur l’inventivité des combinaisons, des assemblages et sur une pratique sensible du bricolage. Toiles brutes, carton, papier, plâtre ou bois deviennent autant de supports pour accueillir une peinture hors cadre. L’expérimentation et la recherche occupent une place centrale, soutenues par un accompagnement individualisé favorisant l’autonomie, le lâcher-prise et l’émergence de propositions personnelles. Un véritable éloge du tâtonnement.

Les petits riens du quotidien deviennent une matière à observer, collecter et transformer. Par le dessin, la photographie, l’écriture, la peinture ou le graphisme, chacun·e développe une attention sensible aux gestes, aux habitudes et aux micro-événements qui accompagnent les journées. Une place importante est laissée aux échanges, à l’invention et à la construction d’un imaginaire collectif. Tout au long de l’année, les élèves explorent différentes formes visuelles et textuelles tout en participant à l’élaboration du Journal des petits riens, une publication collective éditée chaque mois en lien avec la bibliothèque de Saint-André.

Composition, couleur, techniques, supports et modes de représentation constituent les principaux axes d’exploration de l’année. Chacun·e développe sa pratique picturale, approfondit son geste et construit progressivement des projets personnels. Différents modules thématiques - portrait, paysage, peinture gestuelle - rythment les séances. Chaque thématique est introduite par des repères historiques, artistiques et techniques qui permettent de situer les pratiques, de questionner certaines idées reçues et d’enrichir les possibilités d’expression.

De la révolution impressionniste à l’art contemporain, l’évolution de la couleur dans l’art occidental constitue le fil conducteur de l’année. À travers une approche pluridisciplinaire - historique, esthétique, technique - les séances permettent de comprendre le rôle de la couleur dans les grands mouvements de l’art moderne comme dans la diversité des pratiques actuelles. L’étude d’œuvres et des réflexions menées par les artistes éclaire les transformations de ses usages au fil du temps et met en lumière la place essentielle qu’elle occupe dans l’histoire de l’art.

Le dessin est abordé dans sa pluralité, du trait précis au geste libre. Crayon, fusain, encre ou couleur permettent d’explorer différentes techniques et d’enrichir sa pratique au fil des séances. Faire apparaître ou disparaître les formes, jouer avec la lumière et les contrastes, observer, interpréter ou imaginer : autant de pistes pour affiner son regard et développer son écriture graphique. Pas de recette unique, mais un espace pour explorer, se tromper, progresser et prendre plaisir à dessiner.

L’intuition constitue ici le point de départ de la création. Nourrie par des références artistiques partagées, la pratique alterne recherches personnelles et temps collectifs afin de faire émerger des univers singuliers. Dessin, peinture, collage, gravure, assemblage ou volume offrent autant de possibilités pour développer des projets et multiplier les pistes de création. Images, objets ou lieux du quotidien deviennent des matériaux à transformer, détourner et réinventer pour composer de nouveaux récits et porter un regard personnel sur ce qui nous entoure.

L'atelier explore différents registres d’écriture contemporaine, de la poésie à la fiction, et propose ponctuellement de les mettre en dialogue avec l'expérimentation plastique (collage, dessin, aquarelle, etc.). Écrire avec les éléments naturels comme partenaires de création constitue le fil conducteur de l’année. La mer, le soleil et le vent nourrissent l’élaboration des textes. Chaque chapitre apporte de nouvelles pratiques et approfondit une réflexion sensible sur le vivant. Ces moments donnent lieu à la réalisation de trois projets personnels de microédition qui recueillent les textes produits au fil de l'année.

Livre-objet, livre d’artiste, micro-édition : le livre devient un terrain d’expérimentation et de création. Dessin, peinture, lavis, collage, impression ou assemblage se combinent pour imaginer des formes éditoriales singulières. Carnets de recherches, pratiques sérielles, exploration de formats et de supports variés accompagnent le travail tout au long de l’année. L’observation, la collecte, la réinterprétation du réel et l’approfondissement des fondamentaux plastiques nourrissent les projets. Peu à peu, chaque élève conçoit et réalise ses propres livres d’artiste.

Explorer le corps humain par le dessin pour affiner le regard et fluidifier le geste : le dessin comme solfège des pratiques plastiques. À partir du modèle vivant, les élèves abordent des notions d’anatomie et de morphologie tout en développant leur sens de l’observation. Les poses varient, de quelques secondes à plusieurs minutes, et le rythme du dessin alterne entre rapidité et lenteur, invitant chacun·e à expérimenter différentes manières de regarder et de traduire le mouvement.

L'atelier privilégie l’expérimentation et la découverte de différentes approches du dessin et de la peinture. À partir de consignes simples et à entrées multiples, explorant des thèmes ainsi que des techniques graphiques et picturales, chaque élève est invité·e à développer une recherche personnelle, engagée et singulière. Les apports théoriques et techniques sont abordés en lien avec les projets de chacun·e, dans un esprit d’émulation et de partage. L’atelier encourage les échanges et instaure un espace stimulant où les pratiques et les points de vue se rencontrent et se nourrissent mutuellement.

Nature, architecture, forêt, jardin ou monde imaginaire deviennent des terrains de recherche et de création. Par le dessin, la peinture et le volume, les élèves explorent les liens qui unissent les êtres humains au monde vivant. Cette interrogation commune donne naissance à des projets personnels singuliers. Des dessins préhistoriques aux sculptures de Giuseppe Penone, en passant par les univers d’Hubert Robert, de Théodore Rousseau ou d’Edgar Rice Burroughs, les références se croisent et ouvrent de nouvelles pistes de création.

Dessin, aquarelle, encre, gouache : les élèves approfondissent ou perfectionnent leur pratique des techniques graphiques et des médiums humides. Ouvert à tous les niveaux, l’atelier accompagne chacun·e dans le développement de projets personnels, du premier croquis à l’accrochage des réalisations. Expérimentations plastiques, recherches et échanges nourrissent le travail tout au long de l’année. Un suivi personnalisé permet à chacun·e d’affirmer son regard, de préciser ses intentions et de bénéficier de conseils techniques et esthétiques.

La peinture en grand format constitue le cœur de l'atelier. Les élèves travaillent principalement sur toile, enduite ou brute, mais aussi sur papier. Les notions de couleur, de composition et de texture y sont explorées de manière continue et approfondie. À partir d’une consigne commune et grâce à un accompagnement individualisé, les élèves choisissent librement leur espace d’expérimentation. La pratique du grand format engage un dialogue constant entre la toile et les élèves alternant temps de réalisation, d’observation et d’échanges.